martes, 30 de abril de 2013

Asesinos natos

Ficha técnica

Título: Asesinos natos
Director: Oliver Stone
Año: 1994
Título original: Natural born killers
Nacionalidad: USA
Producción: Warner Bros, Regency Enterprises, Alcor Films
Duración: 120’
Guión: David Velos, Richard Rutowski, Oliver Stone (Historia: Quentin Tarantino)
Fotografía: Robert Richardson
Música: Leonard Cohen + varios

Ficha artística

Woody Harrelson (Mickey Knox)
Juliette Lewis (Mallory)
Tommy Lee Jones (Warden Dwight McClusky)
Robert Downey Jr. (Wayne Gale)
Tom Sizemore (Jack Scagnetti)
Russell Means (Warren “Nuve Roja”)

Premios: Gran Premio Festival de Cannes 1994.

Asesinos natos - el fancine - el troblogdita

Una vez más nos encontramos ante una denuncia social, hecha por un medio de comunicación, que sin embargo, sometido a los índices de audiencia, explotará la “historia” para nutrirse y mejorar su posición en la parrilla televisiva.

Wayne Gale, Director de “American Maniacs”, un programa emergente, sensacionalista y de dudosos principios, utilizará la trayectoria de los protagonistas para dar un toque “en directo“ de su programa. Claro, que aquí, “en directo” significará hacer una persecución constante a Mickey y Mallory, los verdaderos protagonistas.

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Mickey y Mallory, un matrimonio compuesto por asesinos. Ambos tienen un pasado oscuro, duro y de profundos sufrimientos. Su evolución hacia asesinos en masa será una espiral de delincuencia juvenil exacerbada por un amor desmedido, desmesurado, (del uno por el otro), que les invitará a ambos a ir marcando su paso por los caminos de Nuevo Méjico con un reguero de sangre.

Jóvenes violentos, agresivos, maltratados, y en su infancia inocentes, que deciden tomarse la justicia por su mano e ir saldando cuentas con la sociedad a su manera, usando la ultraviolencia.

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En este aspecto recordaremos diversas películas, diversos personajes del cine. Las escenas de los títulos de crédito, al principio de la película nos recordarán a La naranja mecánica, eso, la violencia innecesaria, la crítica al sistema, a la sociedad, y al penitenciario, a los Medios y a los cuerpos de seguridad. Por no mencionar la constante vestimenta blanca de Mickey, sobre todo al comienzo, como sucediera con Alex y compañía.

Son los Bonny & Clyde de los 90.

Resumiendo: dos muchachos inadaptados que lejos de plantearse una reinserción social (como en Quadrophenia, todo lo contrario que HooligansLa naranja mecánica) se deciden por la vía fácil, el salto a la gloria dando rienda suelta a su instinto asesino.

Un instinto alimentado por ese “salto a la fama”, inducido por la televisión, y sobre todo por el Director de “American Maniacs”, que parece disfrutar con el reguero de sangre, pues con cada víctima asesinada, los índices de audiencia se disparan a su favor. Ha apostado por los criminales logrando que la opinión pública, lejos de ver en ellos, lo que son, unos desperdicios de la sociedad, los encumbre a la categoría de héroes vivientes, “Robin Hoods” americanos, solo que estos no roban para repartir los beneficios, sino que matan por placer.

Una televisión decadente, que no hace más que perseguirlos y entrevistarlos, grabar secuencias de su violencia y alimentar el morbo de los espectadores siguiendo a estos dos héroes de cloaca.

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También habrá un policía, Scagnetti. Megalómano decidido a ser quien capture a los asesinos. También él víctima de la violencia, en este caso de unos asesinos en masa, que lo traumatizaron de por vida al destrozar su familia, se empecinará en perseguirlos para hacer justicia, su justicia, por amor propio y también, sí, megalomanía, tras haber publicado un libro que versa sobre el tema, obsesionado como está por él.

La entrevista que Wayne quiere emitir tras al Superbowl será un colofón sin antecedentes en el cine como orgía violenta. En ella, momentos antes de que empiece la “orgía”, Mickey se definirá como “asesino nato”, dando título a la película.

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Esta definición vendrá precedida de una interesante apología a la violencia, la ultraviolencia y al asesinato como “modus operandi”.

Ciudadano Kane

Ficha técnica

Título original: Citizen Kane
Director: Orson Wells
Año: 1941
Nacionalidad: USA
Producción: Orson Wells, Richard Baer, George Schaefer
Duración: 119’
Guión: Herman J. Manklewicz, Orson Wells
Fotografía: Gregg Toland
Música: Bernard Herrmann
Productora: RKO / Mercury Theatre Productions

Ficha artística

Orson Wells (Charles Foster Kane)

Premios
Oscar Mejor Guión Original

Nominaciones
Oscar al Mejor Director, al Mejor Actor, a la Mejor Banda Sonora, Mejor Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Dirección Artística, Mejor Sonido.



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Charles Foster Kane, una de los empresarios más destacados de los Estados Unidos, muere al comienzo de la película en su mansión Xanadú, dejando a la opinión pública intrigada al pronunciar su última e inexplicada palabra: “Rosebud”.

Charles, dueño de una red de emisoras de radio, algún sindicato, y toda una cadena de periódicos extendida por todos los Estados Unidos, multimillonario excéntrico, de gustos caros, los más caros, encumbrado en su mansión privada, Xanadú, en donde se dedica a coleccionar estatuas clásicas de la vieja Europa, vive por y para la comunicación desde que se pusiera al frente del New York Inquirer, periódico artesanal, deficitario y anticuado, el cual le costará un millón de dólares por año (al principio). Se pone al timón, recicla sus contenidos, lo hace agresivo y promete, (cosa que cumplirá después), que el Inquirer se convertirá en un creador de opinión, desbancando al resto de las tiradas americanas del primer puesto, sin escatimar en gastos y sensacionalismo. Se convertirá el Inquirer (Kane) en el azote de la clase política, en el faro que ilumina a América, en un referente obligado para estar al día de lo que se cuece en lo que a política respecta.

Impulsivo y decidido, casado, separado y vuelto a casar. Indomable, incomprable, tendrá que retirarse de la carrera política cuando está a las puertas de la gloria, al negarse a aceptar el chantaje de su contrincante, casi derrotado, quien amenaza con airear su romance extramarital.

El Inquirer se convierte en un fuerte coprotagonista de la película. Los hechos, las acciones de Kane se irán periódicamente reflejando y respaldando con la mediatización de sus movimientos, apareciendo en primera plana en las tres ediciones diarias del periódico. Toma cuerpo desde que se pone Kane al frente, y de igual modo que en la opinión pública, en la película se irá haciendo cada vez con un papel principal.


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Rosebud, decía al principio. La palabra que pronunciara en su último aliento. Palabra que revolucionó a toda la redacción de un periódico hasta tal punto que deciden investigar la vida de Charles hasta dar con el significado de esta palabra: todo un enigma.

Para ello se estructurará la película en un constante acto retrospectivo, “flashback”, desmontando la vida de Kane, capítulo por capítulo hasta su mas tierna infancia, y con este fin seremos testigos de la labor de investigación de un periodista que irá entrevistando a todos los amigos, conocidos, enemigos, familiares y exfamiliares con tal de que le proporcionen una pista que le permita dar a conocer al verdadero Charles Foster Kane, pues, paradojas de la vida, siendo quien es, y reconocidos por todos, nadie sabría decir quién, o qué fue cuando pequeño, nadie conoce nada de su vida personal previa al salto como magnate, ni el origen de su fortuna…

Hay pues dos visiones sobre el periodismo en esta película, el medio como protagonista, New York Inquirer, y el periodismo de investigación.Obra maestra de Orson Wells, quien, a sus veintiséis años dirigió y protagonizó Ciudadano Kane.

La tienda de los horrores

Ficha técnica

Título: La tienda de los horrores
Título original: Little Shop of Horrors
Director: Fran Oz
Año: 1986
Nacionalidad: USA
Producción: Warner Bros.
Duración: 94’
Guión: Howard Ashman
Fotografía: Bob Paynter
Música: Miles Goodman (canciones: Alan Menken)

Ficha artística

Rick Moranis (Seymour)
Ellen Greene (Audrie)
James Belushi (Patrick Martin)
Steve Martin (Orin Scrivello, dentista sádico)
Bill Murray (Arthur Denton, Paciente masoquista)
“Planta” (Audrie II, voz de Levi Stubbs en inglés)
Stanley Jones (Narrador)

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La película de 1986, (la que comentaré hoy), es una adaptación de la original de 1960, de Roger Corman, que pasó por el cine sin pena ni gloria, cosa injusta, porque en muchos momentos supera a la adaptación.


Pero, ¡ay amigos!


La película del ’86 reúne una serie de aspectos que hizo que se convirtiera en una película de culto.

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Para empezar, nos encontramos con un musical “redondo”, con una banda sonora a ritmo de Rock & Roll que te levanta del sillón. La música de Miles Goodman vertebrará toda la película, la cual ofrecerá coreografías sencillas, sin pretensiones, que irán hilvanando las diferentes escenas, a modo de coro, (bebiendo de la tragedia griega, aunque me permitiré decir que nadie ha plasmado mejor esta imagen que Woody Allen en Poderosa Afrodita, es decir, miles de años después, y no hemos avanzado nada), como nexo y para mantener la tensión narrativa.


Pero el mérito, el éxito vendrá de la mano de Alan Menken, autor de las canciones que serán el verdadero cuerpo de esta película, un musical terrorífico, pues girará en torno a dos argumentos:


1º.- Seymour, un pobre hombre, gris y triste, dependiente de una floristería, enamorado “hasta las trancas” de Audrey, una mujer rubia, preciosa, dulce, y sensible.


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Vía Canal de TNT en Youtube

2º.- Audrey II, la planta. Una planta que Seymour comprará a un tendero chino en una extraña mañana en la que un eclipse de sol anunciará la llegada de un ser que cambiará el mundo, (si la película hubiera sido española, la narradora habría sido Leyre Pajín, anunciando un encuentro estelar con un ser que devorará a la humanidad).


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Seymour adquiere esta planta, curiosa, extraña, una rareza sin clasificar y descatalogada.


Pero la planta no es tal, sino un ser extraterrestre que se alimenta con sangre, y si la sangre es humana, mejor que mejor. Al fin y al cabo, estamos en un blog de Cine y Gastronomía, y aquí se sirve un menú único: carne humana.

Se establecerá un vínculo muy estrecho entre Seymour y Audrey II, la planta. Él la cuidará y alimentará, y ella, se abrirá a él ofreciéndole, (pues habla), todo cuanto él pueda desear, tan solo a cambio de sangre, al principio la suya, pero según come y bebe sangre, Audrey II irá creciendo, necesitando mas y mas cada día…

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Antes decía que Seymour estaba enamorado de Audrey, la muchacha rubia. Pues bien, lo está, sin remedio, y le duele ver el desprecio con que es tratada por su novio, Orin Scrivello, (Steve Martin), un dentista sádico que solo siente placer a través del dolor, ajeno claro, tanto de sus pacientes como el de Audrey, a quien despreciará sin mesura.



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No puedo evitar hacer un alto para mencionar otra de las claves del éxito de esta película, el reparto. Los actores secundarios son de tal talla, de tal calibre, que refuerzan el reparto con nombres tales como Steve Martin, Bill Murray, (el que menos aparece en la película, pero tal vez mi personaje favorito, breve e intenso, un sádico que goza poniéndose en mano de su dentista, hilarante), o el propio James Belushi, (Blues Brothers).

La planta, Audrey II, consciente del dilema en que vive Audrey amando a una mujer a la que no podrá alcanzar, y odiando al dentista con quien no se puede medir… Hará una propuesta terrorífica al tendero para sacar tajada… O tajadas.

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Una película maravillosa con una banda sonora todavía mejor, un tema truculento, (el amor imposible), y otro morboso, la invasión de la tierra por extraterrestres… (¿O es al revés, lo mismo da, “tanto monta, monta tanto…”). El mejor cóctel para una noche de diversión para los amantes del musical, la comedia y la ficción desmedida.

Probablemente una de las mejores ofertas para pasar una gran noche de Halloween con unas palomitas, una manta escocesa y una Coca-Cola… ¡A carcajada limpia! (Y si queremos sesión continua os recomiendo seguir con otro musical apropiado para Halloween: Pesadilla antes de Navidad, otra joya del género, esta vez en animación).

La sombra del cazador

Ficha técnica

Título: La sombra del cazador
Director: Richard Shepard
Año: 2007
Título original: The hunting party
Nacionalidad: USA
Producción: Mark Johnson, Scott Kroopf, Bill Block
Duración: 96’
Guión: Richard Shepard
Fotografía: David Tattersall
Música: Rolfe Kent
Montaje: Carole Kravetz

Ficha artística

Richard Gere (Simon Hunt)
Terrence Howard (Duck)
Jesse Eisenberg (Benjamin)
James Brolin (Franklin Harris)
Ljubomir Kerekes (“El zorro”)
Kristina Krepela (Magda)
Diane Kruger (Mirjana)

El corresponsal de guerra es la cara oculta de la noticia.

La sombra del cazador - Periodismo y Cine - el fancine - el troblogdita - ÁlvaroGP
La sombra del cazador - Periodismo y Cine - el fancine - el troblogdita - ÁlvaroGP

Tal vez el aspecto más desgarrador del periodismo, como bien refleja esta película. Vemos a diario las noticias, a ves de diez segundos escasos en las que un reportero, con su chaleco sin mangas, camisa llena de bolsillos, chaleco antibalas, quizás con un casco, empuña su micrófono, como única arma y se dirige a la cámara para explicar, en dos pinceladas, la sangría que vemos a su espalda.

A su espalda, incluso en este aspecto resulta paradójica su profesión. Pueden pasar veinticuatro horas bajo fuego y metralla, pueden arrastrarse detrás de un carro blindado, pueden tener que orinar en una lata para no asomar ni el pescuezo fuera del escondrijo, por si una bala perdida les vacía los intestinos, y todo para enfrentarse diez segundos a la cámara, arriesgando su pellejo, así como el del cámara, que no es otra cosa que su propia sombra, para decir “como ven a mis espaldas, el fuego se ha intensificado en el frente de tal…” Fin de la emisión, nada de negociaciones, el tipo se ha jugado el ídem con horchata en las venas para que nosotros, telespectadores, dejemos de comer la sopa para ver cómo se tiran por los suelos los marines estadounidenses sin prestar la más mínima atención al periodista, ingratos que somos.

Y digo “marines estadounidenses”, y lo digo a conciencia. Paladines de la Libertad, de la americana, de la occidental, de la europea… Los únicos, por medios y convicción, presentes en todos los fregados guerrilleros del orbe. Y no sólo eso, sino que también, son los únicos que respetan la Libertad de expresión, y con ésta, la de Prensa, hasta tal punto de dejar que transiten los periodistas entre sus filas, cada cual asume sus riesgos pero no censuran la noticia, como sucede con ejércitos inferiores en talla moral, como el nuestro en nuestros días.

Pues este es el escenario de la película. Sarajevo, cinco años después del final de la guerra en Bosnia, dos periodistas, Duck y Simon Hunt volverán a cruzar sus caminos, el uno como periodista famoso y encumbrado, el otro como reportero independiente para muchas cadenas de televisión de bajo presupuesto de múltiples países.

Se conocían desde muchos años atrás, años en los que Simon era el reportero famoso, afamado y buscado por las mejores cadenas de televisión, y Duck el cámara que aprendía cómo hacer periodismo del bueno. Habían recorrido todas las guerras del planeta y hacían el equipo perfecto.

Hasta un mal día en el que Simon se derrumba frente a la cámara y libera todas las tensiones vividas apartándose de la neutralidad del informador y hablando sin paños calientes a la audiencia. Motivo por el cual cae en desgracia, y mientras el cámara asciende, a él lo despiden.

Los caminos de ambos se volverán a cruzar para ir en busca del criminal de guerra más buscado en Bosnia, “El zorro”, un asesino confeso de la guerra, que se esconde en las montañas y se entretiene practicando la caza.

Buena interpretación, por fin, de Richard Gere, en la que entona perfectamente el son del protagonista, le da cuerpo y alma.

Al describir al corresponsal que nadie confunda esta figura con la de Hemingway, afamado por cómo escribía las cosas que no veía.

Airbag

Ficha técnica

Título original: Airbag.
Nacionalidad: España
Producción: Iñaki Burrutxaga, Adrian Lipp
Productora: Asegarze Cinema, Road Movies, Marea Films
Duración: 120’
Guión: Juanma Bajo Ulloa, Karra Elejalde, Fernando Guillén Cuervo
Fotografía: Gonzalo F. Berridi
Música: Bringen Mendizábal

Ficha artística

Karra Elejalde (Juantxo)
Fernando Guillén Cuervo (Konradín)
Alberto San Juan (Paco)
Manuel Manquiña (Pazos)
María de Medeiros (Fátima do Spirito Santo)
Francisco Rabal (Villambrosa)
Rosa María Sardá (Aurora)
Luis Cuenca (Souza)
Pilar Bardem (Puta)
Karlos Arguiñano (Serafín)
Albert Pla (Cura)
Vicenta N’Dongo (Vanessa)
Fernando San Segundo (Touriño)
Santiago Segura (Candidato político)

Goya Mejor Montaje y Goya Mejores Efectos Especiales

Airbag - Cine Español - el fancine - el troblogdita - Comedia - Road Movie - AlvaroGP
Airbag - Guardia Civil - Los papeles - Cine Español - el fancine - AlvaroGP
Airbag es una película cómica del subgénero “Road Movie”, (película de carretera), esto es, no tiene un escenario fijo y los personajes se van desplazando según transcurre la acción.

Tal es el caso de Airbag, una película que se centrará en torno a un anillo perdido durante una despedida de soltero, y las aventuras de un grupo de amigos intentando recuperarlo.

Este grupo, Juantxo, Konradín y Paco, celebran la despedida de soltero del primero, Juantxo, quien a las puertas de su boda se ve embaucado para visitar un club de alterne como despedida de su soltería. Él no está convencido, más bien se siente opuesto a la idea, pero los amigo, unos golfos adinerados se lo llevarán a rastras y entonces: pecará por un “ósculo”.

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Airbag -  Cocaina - Guatdia Civil - Los papeles - Cine Español - el fancine - AlvaroGP

Y su pecado será doble, por un lado porque conocerá a una chica y con ella descubrirá un mundo nuevo de placer y sensaciones, por otro porque en ese conocimiento y reconocimiento perderá el anillo de pedida, decenas de millones de las antiguas pesetas en joyas, oro blanco y piedras preciosas. Ni que decir que ambas familias, la de Juantxo y la de su prometida son la flor y nata de la jet set.

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Airbag - Cine Español - "Un pofesional" - el fancine - AlvaroGP

A partir de este punto entrará la idea de la “película de carretera”, puesto que los protagonistas, (lo mejor de lo mejor de la sociedad), se verán mezclados con prostitutas, proxenetas, traficantes de drogas, policías corruptos y degenerados, matones de poca monta, camellos de pocas luces y asesinos a sueldo, (lo peor de lo peor de la sociedad).

Irán de club en club, buscando al proxeneta en cuyo poder está el anillo. Pero lo mejor de todo es que encima los tomarán por profesionales en la materia. Unos creerán que son traficantes y otros que son matones, el caso es que irán sorteando todos los riesgos de club en club sin saber a qué se están enfrentando (ellos sólo aspiran a recuperar el anillo antes de la boda), sin ser conscientes de quiénes los persiguen ni de quiénes los esperan a cada paso que dan.

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Airbag - el fancine - Cine Español - AlvaroGP

Además es una película transgresora, no pone paños calientes y saca a la luz lo más mezquino de sus protagonistas así como de los escenarios en los que se desenvolverá la película, (tristes por otro lado, si tenemos en cuenta que tanto las drogas como la prostitución están presentes en todas nuestras carreteras, ilegales, sí, pero permitidas, esclavistas, pero consentidos).

Un guión de infarto, por la velocidad con que se desarrolla, original y novedoso, unos personajes / actores que lo bordan y la colaboración de figuras de la televisión de los años 90, de entre quienes me atrevería a destacar a Karlos Arguiñano, Serafín, el padre ludópata de Juantxo.

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Airbag - Cine Español - Arguiñano - tortilla rusa - el fancine - AlvaroGP

Mención a parte la de Arguiñano… Sobre todo al principio de la película, cuando participa en una partida clandestina… No de ruleta rusa, no, sino de “tortilla rusa”, en la que los comensales apuestan altas cantidades de dinero para ver quién sobrevive a una tortilla envenenada con setas, según dicte el azar, una envenenada entre varias que no lo están. Y su aplomo pidiendo buen vino para acompañarla, que si hay que palmar, que sea con buen gusto.

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Airbag - Ruleta rusa - Cine Español - el fancine - AlvaroGP

No puedo dejar de mencionar el “Cameo” que hace el Sr. Lehendakari con RH que acredita su derecho a tal…

Esta película no pasará a las enciclopedias de cine. No. Pero tiene chispa, hace gracia, y cuenta con la participación de un nutrido número de actores y personajes públicos de la pantalla española.

Hay interpretaciones magistrales, como las de los tres protagonistas, por no mencionar a Rosa María Sardá (Aurora), Pilar Bardem, (que borda con maestría el papel de "madam"), Albert Pla, que no tengo palabras para describir su papel irreverente…

Película golfa donde las haya, bien salpicada de ingredientes picantes, un guión rompedor, e irreverencias varias que tomadas con gracia y sentido del humor nos harán pasar un buen rato.

Buenas noches, y buena suerte

Ficha técnica

Título: Buenas Noches, y buena suerte
Director: George Clooney
Título original: Good night, and good luck
Año: 2005
Nacionalidad: USA
Producción: Grant Heslow, Steven Soderbergh
Productora: Warner Independent Films
Duración: 90’
Guión: George Clooney, Grant Heslow
Fotografía: Robert Elswit
Música: Dianne Reeves
Montaje: Stephen Mirrione
Vestuario: Louise Frogley

Ficha artística

David Strathaim (Edward R. Murrow)
George Clooney (Fred Friendly)
Roy Wise (Dan Hallenback)

Nominaciones Oscar a la Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor, Mejor Guón Original, Mejor Fotografía, Mejor Dirección Artística.



La amenaza comunista fue una constante al término de la Segunda Guerra Mundial, tras dividir Alemania entre los aliados y la Unión Soviética, y sobre todo a partir de la decisión unilateral de la Unión Soviética de construir un muro, el Muro de Berlín, (antifascista para la dictadura comunista, de la vergüenza para las democracias occidentales).

Surgirán pues dos grandes bloques, el primero económico, (con el COMECOM, (Consejo de Ayuda Mutua Económica), soviético, por un lado y las naciones democráticas que posteriormente derivarían en la Comunidad Económica Europea, actual Unión Europea, lideradas por los Estados Unidos en lo político), y el segundo militar, enfrentando a todas las naciones libres en torno a la OTAN con las naciones sometidas al Comunismo bajo la bota del Pacto de Varsovia.

Esto dio lugar a su vez a dos maneras diferentes de entender la paz… O la guerra, dando lugar a sendas épocas, una de guerra fría y la otra de guerra diplomática.

Para entonces ya se habían creado los actuales servicios de inteligencia, que obviamente evolucionarían hacia servicios de espionaje y contraespionaje, tales como el KGB y la CIA...


Servicios que unas veces espiaban objetivos militares, otras, objetivos políticos, y las más, sobre todo el organizado por el KGB soviético, para desestabilizar a Occidente. En este último área tenían bastante ventaja puesto que las naciones democráticas tenían que jugar una partida comprometida con la opinión pública que votaba periódicamente a sus presidentes, por lo que había que hacer equilibrios para no salirse fuera de la Ley, (que no siempre se respetaba). Sin embargo, la dictadura comunista tenía muchas y mejores posibilidades para evitar estas desestabilizaciones, la policía, los espías entre los ciudadanos y los campos de concentración en Siberia servían para desestimular a los posibles traidores al Partido. (De ahí que los Estados Unidos se sirvieran de los estados soviéticos satélite para mellar la confianza de los comunistas).

He hecho esta introducción para situar la verdadera transcendencia del tema central de la película, la lucha del periodista Edward R. Murrow por defender la libertad de expresión dentro de los Estados Unidos de América, impulsado por la implacable búsqueda por parte del Senador por Wisconsin, Joseph Macarthy, de elementos subversivos filo comunistas dentro de los Estados Unidos. Años de temor a la traición y años en los que dos bloques se enfrentaban, la libertad americana ofrecía unas posibilidades infinitas a los soviéticos para infiltrar espías o “creadores de opinión pública”. Lucha no obstante, que superó los cánones de lo legal, en muchos casos, y se convirtió en un esfuerzo exagerado que acercaba por momentos los comportamientos políticos y legales americanos al de su enemigo.

Este es el contexto en el que se desarrollará la película y que considero básico para poder interpretar, que no justificar, tan desmedida “caza de brujas” que se extendió a todos los ámbitos de la cultura estadounidense, periodismo, cine…

Así pues, Murrow, con el respaldo de su equipo, la admiración de muchos seguidores, el silencio de sus superiores y la amenaza constante de ser denunciado como comunista, sin serlo, lideró un programa de televisión, (medio del que estaba enamorado), para luchar por los Estados Unidos haciendo de la libertad de expresión su arma, y defendiéndola, como profesional y persona, coherente y valiente, temiendo, pero no huyendo su responsabilidad a la hora de enfrentarse al sistema político y jurídico americano.

Chocolat

Ficha técnica

Director: Lasse Hallström
Año: 2000
Título original: Chocolat
Nacionalidad: EE.UU.
Producción: Miramax International, David Brown
Duración: 121 minutos
Guión: Robert Nelson Jacobs (Novela de Joanne Harris: Chocolat)
Fotografía: Roger PrattMúsica: Rachel Portman

Ficha artística

Juliette Binoche (Vianne Rocher)
Victoire Thivisol (Anouk)
Alfred Molina (Conde Reynaud)
Lena Olin (Josephine)
Johnny Depp (Roux)
Carrie-Anne Moss (Caroline)
Judi Dench (Armande)
Peter Stromare (Serge)

Nominaciones para los Oscar

Mejor Película, Mejor Actriz Principal, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Guión Adaptado y Mejor Música.

Chocolat - el fancine - el gastrónomo

La tradición nómada de la rama materna de Vianne hace que ninguna mujer de esa familia pueda echar raíces en ningún lugar. Una extraña historia familiar que hace que tanto Vianne como Anouk se dejen llevar por el viento del norte como si fueran las velas de un velero que va a la deriva.

Chocolat - el fancine - el gastrónomo

Hija y madre, madre e hija, ocultan muchos secretos y son en si mismas secretos inconfesables de libertad y autonomía femenina en un mundo europeo, en Francia para concretar en donde las poblaciones a las que les hace llegar el viento carecen de secreto alguno (por las escasas poblaciones de los pueblecitos que frecuentan) y por la ortodoxa tradición católica que practican, y se encargan de rizar el rizo hasta la parodia exagerada narrando a modo de fábula una historia de crítica social más propia del XIX que de nuestra época.

Chocolat - el fancine - el gastrónomo


Chocolat es una película preñada de tópicos. Tópicos por otra parte nada novedosos desde Dickens, quien en mi opinión ilustrara como nadie la trastienda de la revolución industrial, sobre todo en Inglaterra. Pero ni la película se desarrolla en Inglaterra, ni la época coincide con Dickens… 

¿A qué tópicos me referiré pues? Tópicos planos, de más de sencillos y prototípicos, a saber:

Chocolat - el fancine - el gastrónomo

Un pueblecito pequeñito imbuido en sus costumbres y tradiciones ancestrales. La iglesia como corazón de la existencia no sólo de sus feligreses, sino de todos los vecinos, (lo mismo es). Nobleza europea que dada su inactividad ocupan puestos de responsabilidad pública más con el fin de entrometerse en las vidas ajenas que para servir a los ciudadanos. Chocolate, representando a cualquier otro placer terrenal como la máxima expresión de la tentación de Lucifer que pone las manos sobre los débiles de espíritu. El matrimonio como última institución válida a los ojos de Dios. La hembra desvalida y desprotegida en manos del varón machista y carente de sentimientos. El gitano como nómada indómito (vuelve Dickens) circense o natural de ninguna parte. El río como encarnación del deseo carnal y el agua como símbolo de pureza. En general una visión progresista de una Europa que empezaba a abrirse a la lucha de clases.

Chocolat - el fancine - el gastrónomo

Como vemos, ninguno de los tópicos que encontraremos en ésta película es original del todo. Más bien no es en absoluto original.

Y sin embargo algo habrá que me haya invitado a seleccionar esta película para comentarla (e incluirla entre las películas de Cine y Gastronomía). Y sí: hay ese algo. Por encima de típica y tópica, la película es sensible y dulce. Sensible por los muchos temas que toca de latente sensibilidad incluso en nuestros días, valga reseñar la violencia doméstica. Sensible pues a las injusticias tales como la incultura, la intolerancia y la agresividad sea ésta del género que sea.

Chocolat - el fancine - el gastrónomo

Y dulce… Pues es dulce… Sencillo sería basarme en las múltiples escenas de chocolate que aparecen en la película, pero no lo haré. Digo dulce porque Hallström trata con una dulzura exquisita a todos los personajes que integran el reparto. Cuando empecé a escribir éstas líneas pensaba en cómo reflejaba e ilustraba a los personajes femeninos, pero en medio de la escritura he ido deduciendo que no es así, que sí es cierto que los trata con un cariño exquisito, pero de igual manera refleja y trata a los masculinos sabiendo en todos ellos ahondar en sus corazones para, a través de su peor imagen darnos a conocer sus flaquezas, debilidades y temores. Sólo así podrá haber acto de contrición y ser capaces de mejorar.

Chocolat - el fancine - el gastrónomo

Decía que me recordaba a Dickens… Pero lo supera. Dickens, creador de la literatura de conciencia social se limitaba a plantear los males que acechaban en la sociedad, pero no aportó ideas para buscar remedio alguno. Sin embargo, Joanne Harris habla de los mismos problemas y sí trata de encontrar las soluciones, a su manera, a base de tópicos archiconocidos pero por lo menos aporta vías de escape para los problemas de los personajes, y para colmo, la película (y la novela) termina bien.