miércoles, 24 de septiembre de 2014

El padrino

Ficha técnica

Título: El padrino
Título original: The Godfather
Director: Francis Ford Coppola
Nacionalidad: U.S.A.
Año: 1972
Productor: Albert S. Ruddy
Distribuidora: Paramount Pictures
Duración: 175’
Guión: Mario Puzo, Francis Ford Coppola (Novela: Mario Puzo)
Fotografía: Gordon Willis
Música: Nino Rota, Carmine Coppola
Montaje: Williams Reynolds
        
   
Ficha artística
           
Marlon Brando (Don Vito Corleone)
Al Pacino (Michael Corleone)
Robert Duvall (Tom Hagen)
James Caan (“Sonny” Corleone)
Talia Shire (“Connie” Corleone)
Al Martino (Johnny Fontane)
Abe Vigoda (Tessio)
Simonetta Stefanelli (Apollonia)
Richard Castellano (Peter Clemenza)
Sterlyn Hayden (Capitán de Policía – Mark McCluskey)
Al Lettieri (Sollozzo “el turco”)
John Marley (Jack Woltz)
Richard Conte (Emilio Barzini)
Gianno Russo (Carlo Rizzi)
Tony Giorgio (Bruno Tattaglia)
Vito Scotti (Panadero)
Angelo Infanti (Fabrizio)

Oscar a la Mejor Película, al Mejor Guión Adaptado y al Mejor Actor

El padrino - The Godfather - el fancine - el troblogdita - ÁlvaroGP
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Comentar El Padrino es comentar, sin lugar a dudas, la mejor película de todos los tiempos. La mejor obra que el Cine nos ha regalado y la mejor muestra de que “esto” es Arte.

Otros dirán que “no”. Que la mejor película de todos los tiempos es El padrino II. Como todo queda “en familia” no le daré mayor importancia, aunque siga quedándome con ésta.

Hablar de El padrino supone adentrarnos en el fascinante mundo de la mafia, aunque nunca aparezca esta palabra en diálogo alguno, ni siquiera hablarán de la “Cosa nostra”, si no que todo girará en torno a los negocios de la familia. Nos encontramos ante el mismo caso de “oscurantismo” que comentaba en el troblogdita cuando hablé del Juez Falcone y el libro Cosas de la Cosa Nostra. En este caso llevado al extremo, pues el propio productor, Albert S. Ruddy llegó a comprometerse públicamente con los americanos de origen italiano que ninguno de los dos términos aparecerían en la película: así de fino hilaron el tema, para aplacar las quejas previas al estreno de la película por parte de esta comunidad. Una comunidad dividida en dos, obviamente. Los que repudiaban a la mafia y los que participaban de ella: en cualquier caso, ambos sectores se enfrentaron a la película antes de su estreno.

Fino, muy fino se hiló todo en esta película. Ya hemos visto que el tema abría ciertas heridas y hacía que algunos se sintieran incómodos ante la ambición del proyecto y a pesar del estrepitoso fracaso de otras películas del género que la habían precedido, como Mafia (Martin Ritt – 1968), que hicieron zozobrar el proyecto entero por miedo a que siguiera su estela, haciendo, como poco, que cayera el presupuesto hasta los dos millones de dólares y quedara relegada a tal segundo plano que entraría a formar parte de las películas de bajo presupuesto de la Paramount.

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La filmación empezó a andar y se convertiría en un tren que nadie podría parar. La Paramount no estaba convencida con tener a Coppola de “maquinista”, por lo que le tenían preparada una salida honrosa para las primeras de cambio, y estas primeras vendrían como siempre, por el presupuesto. La minuciosidad de Coppola, su trabajo exacerbado y detallista, la presión sobre los actores y el despliegue de medios haría que el presupuesto inicialmente recortado a 2 millones se empezara a inflar hasta llegar a los 6 millones de dólares, nada menos que triplicando el original. La Paramount tenía más que decidido deshacerse de Coppola y esperó al rodaje de la escena en la que Michael aprieta el gatillo para darle el finiquito.

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Pero llega tal escena y hete aquí que todos, TODOS en Paramount quedaron maravillados con ella. La pureza de estilo, la fuerza interpretativa que Coppola había extraído de Al Pacino, la elegancia con que lo había filmado y lo impactante de la escena hicieron que Paramount abandonara su intención de darle con las puertas en las narices a Coppola y de pronto confiaran a muerte en él y apostaran por El padrino.

A partir de este instante Coppola se convierte en el líder (criticado) y da rienda suelta a sus deseos para con la película: repetición infinita de tomas; hacerlas desde mil perspectivas diferentes; apretar hasta la extenuación a los actores; dar carta de libertad a Brando para que fuera él mismo a la hora de encarnar a Don Vito Corleone, eso sí, atándolo tan corto como se le pudiera atar sin darle margen para revolverse; duelo a muerte con Gordon Willis (responsable de la fotografía) porque éste último era incapaz de rodar en las condiciones de iluminación que proponía Coppola y billetes de avión para filmar las escenas italianas de la película… en Italia.

Una iluminación que se irá convirtiendo en otro protagonista de la película desde la primera escena. Luego lo veremos.

Coppola estaba haciendo cine americano con corazón europeo, al más puro estilo Visconti. No necesita reflejar la ultraviolencia en la pantalla. Al menos no explícitamente, o en su totalidad. Escenas violentas las habrá, por supuesto. Es algo implícito en la materia que trata la película. Pero la maestría de Coppola será tal que nos permitirá ver esas escenas (en algunos casos) sin recrearnos en ellas: con una crudeza total y un realismo inusitado. Pero las escenas más violentas, las más agresivas y lesivas serán sin duda alguna aquellas que no veamos, las que intuyamos. Aquellas que veremos de perfil o que sin ver el desarrollo de la misma sí contemplaremos su desenlace. Y esas escenas de violencia, ultraviolencia velada nos pondrán los pelos como escarpias y nos descubrirán a un Coppola en su mejor momento.

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Violencia, sí; y ultraviolencia también. Pero sutil en muchos casos. Permitidme destacar la que para mi resulta la más agresiva de todas, la violencia verbal. Coppola nos regalará escenas dialécticas con tal carga de violencia implícita que nos sentiremos amenazados mientras vemos la película.

Es cierto que ver explotar un vehículo con una bomba dentro nos deja atónitos por la carga de odio y violencia que lleva implícita. Pero la mentira, negar sin parpadear la autoría de los hechos, negar responsabilidad alguna, negar la rama violenta de la familia a tu propia esposa, sin pestañear, sin que se le dispare el pulso ni se le agite la respiración, negar todo lo que el espectador sabe que no se puede negar, porque es obvio que Michael será el responsable de todo lo que se le acusa, y de lo que no también. Negárselo a su propia mujer y despacharla para proclamarse nuevo padrino… es de una violencia psicológica y verbal tal, que reduce a lo anecdótico a los posibles asesinatos y refriegas que sí veremos en la película, pero ninguna con la fuerza del personaje (que empieza de tapadillo) de Michael.

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La familia Corleone. Eje inequívoco de la trama. Hasta tal punto que el propio Coppola no dudará en alquilar un restaurante en Broadway para “retener” a todo el equipo el mayor tiempo posible. Allí desayunaban, comían, cenaban, guisaban, ensayaban, descansaban y hasta él mismo negociaba y discutía con productores, actores y los ejecutivos de la Paramount. Todo con tal de estrechar los lazos y vínculos del equipo para mejor transmitir esa unidad familiar.

Hora es de entrar en la trama de la película.

Todo parece apuntar, desde el principio, que Don Vito será el protagonista de la película, pero nada más lejos. Es la columna vertebral, sí, pero lo será hasta dejar posicionados a los espectadores y se retire sutilmente a un segundo plano para dar paso al verdadero alma de la película (y de toda la trilogía): su hijo Michael. Precisamente aquel que él procura apartar de los negocios familiares y el mismo que él pretendía preparar como salvoconducto para la familia y eslabón con la vida civil digna y limpia de polvo y paja: Michael, un héroe de guerra de la Segunda Guerra Mundial, un italoamericano nacido en Estados Unidos, bastante tímido y poquita cosa en general.

Poquita cosa hasta que se enfrenta a la cámara. Ahí (Al Pacino) saca la bestia que lleva dentro, aflora el animal que es interpretando y sin aspaviento alguno se come al resto del reparto, se come al director, se come a la familia (propia y ajena), se come a la crítica y se come al espectador dejándonos estupefactos sin podernos creer que tan poca persona pueda ser tan gran actor.

Al Pacino encarnará a Michael Corleone: el verdadero protagonista, igualando e incluso superando con creces las dotes interpretativas del propio Brando, quien, por su parte, y como si se tratara de un duelo interpretativo, habrá bordado uno de los mejores papeles de toda su carrera en la figura de Don Vito, (Don Vito es el alma de la familia y Michael es alma de los negocios).

Partiendo de la estructura inicial de la familia Corleone (Don Vito al frente), Sonny y Fredo (Sottocapi), Tom (Consiglieri) y Michael (ausente hasta convertirse en Don), veremos por un lado cómo se van redistribuyendo las responsabilidades de los miembros y por otro el papel secundario de las figuras femeninas que ni opinan en los asuntos de negocios ni se las tendrá en cuenta a la hora de tomar decisiones.

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La Familia Corleone, la más poderosa de las cinco familias de Nueva York recibirá la propuesta de Sollozzo, de los Tataglia, para entrar en el narcotráfico, cosa que Don Vito rechaza de plano y le supone no solo la enemistad con la familia rival, si no un intento de asesinato que precipitará esa recomposición de la familia que mencionaba antes.

Con Don Vito convaleciente, Sonny ejercerá de “Don” en su ausencia, dando por supuesto que será su sucesor dado que sus otros dos hermanos no reúnen las condiciones necesarias: Fredo es un pusilánime y Michael prefiere no meter las narices en los negocios de la familia. Una de las primeras acciones de Sonny será ordenar asesinar al guardaespaldas de su padre, quien morirá a manos de Clemenza y Rocco en una de las muertes “más celebradas” del cine (precisamente por la elegancia, el desprecio y la sutileza con que nos la ofrece Coppola que mencionaba un poco más arriba).

Sin embargo, Michael demostrará sus agallas al lograr abortar, él solito, un segundo atentado contra su padre con el propósito de rematarlo antes de que abandone el hospital.

Entre medias se cruzará la figura de Carlo Rizzi, un playboy que logró casarse con Connie Corleone y entre infidelidad e infidelidad, a la sombra de la familia le propina palizas brutales que sacan de quicio a Sonny. Éste se vengará pegando a Carlo una paliza y amenazando su vida si vuelve a tocar a su hermana. Ambiente viciado que propiciará que Carlo venda a Sonny y le tienda una trampa en la que los hombres de Tataglia.

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Por aquel entonces la familia está casi desestructurada: el “Don” está convaleciente, Sonny asesinado, Fredo no cuenta, Michael en Sicilia (antes de morir Sonny será el propio Michael quien elimine del mapa al turco Sollozzo (en la famosa escena que le supuso a Coppola ganarse la confianza de los estudios)) exiliado y alejado de todo contacto con la familia, hasta el punto de dejar a su novia Kay (Diane Keaton) para casarse con Apollonia: una belleza de la salvaje Sicilia que no sobrevivirá a su entrada en la familia Corleone. Con este panorama, el hermano adoptivo Tom Hagen (católico irlandés) tomará las riendas (entre el 58 y el 59), aprovechando su experiencia como Conseglieri de Don Vito y de Sonny.

Y entonces regresa Michael.

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Su llegada es el anuncio de la muerte, uno de los cuatro jinetes del apocalipsis. No perdamos la perspectiva… La familia Corleone no es la buena de la película. En esta película no hay buenos. Cada cual defenderá los derechos de su propia familia: Corleone, Tattaglia, Cuneo, Stracci y Barzini. Y los defenderá a toda costa, sin prejuicios y sin miramientos.

Podríamos decir que la buena es la policía, pero tampoco. Lo vemos en la figura del capitán McCluskey, vendido a Sollozzo. Podríamos rescatar a los políticos, pero tampoco: metidos hasta las cejas en sobornos y chantajes. La Prensa está comprada, hasta el punto que es uno de los bastiones en los que se sustenta la familia Corleone cuando jueces y políticos le fallan… Las pocas veces que fallan, claro.

Cuando Michael regresa de Italia releva a Tom al frente de la familia y le aparta del cargo de consegliere (cargo que recaerá en Don Vito) y le nombra abogado para la familia, principalmente en Las Vegas.

Michael, el jovencito enclenque que no quiere saber nada de la familia (en cuanto a sus trapicheos). Se convertirá en una de las bestias más fieras del cine. Su mirada, su dominio de la gesticulación, su predeterminación, su frialdad, su estrategia militar y su odio desmedido hacia todo aquel que ose interponerse en el camino de su familia. Cuando todas las familias se frotaban las manos ante la llegada de un advenedizo, Don Vito demostrará cuán sabiamente ha elegido sucesor ante la llegada del ángel exterminador en que se convertirá Michael.

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Llegamos a mi escena favorita, no de la película, de la historia del cine: Bautismo de fuego. La escena en la que Michael apadrina al hijo de Conny, en la catedral, renegando del diablo mientras, en paralelo, sus sicarios se disponen a declarar la guerra a todas las demás familias de Nueva York, eliminando de un plumazo a todos sus líderes en una escena que compagina y combina música sacra con una misa, un bautizo y asesinatos a sangre fría mientras cae el agua bendita sobre la coronilla de su ahijado. Un ahijado que quedará huérfano porque a la salida del bautizo, cuando le confirman al nuevo Don que todo ha salido bien, cambia de planes para eliminar también al origen de tantos males para la familia: Carlo.

Al principio comentaba las luchas internas entre Coppola y Gordon por causa de la iluminación. La luz será una constante en la película pues ésta o su ausencia jugarán un papel casi protagonista. Podremos anticiparnos al carácter de la siguiente escena viendo los matices lumínicos de la presente, (igual sucederá con las famosas naranjas que nos avisan de tragedias). Podremos deslumbrarnos en la primera escena, la boda de Carlo y Conny, en la que la alegría se manifiesta con oleadas de luz para acto seguido, dentro de la misma boda, enclaustrarnos en el despacho de Don Vito, sin luz, sin aire fresco, sin brisas, casi con aire estancado y a tientas, recibiendo uno por uno a los invitados a la boda para recibir sus peticiones de justicia por parte de la familia… Y esto se sucederá a lo largo de la trilogía, los saltos de la luz a la oscuridad y el tono de los personajes y la película siempre dependerá de ésta.

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Otro detalle a tener en cuenta es la gastronomía. 


El padrino - La receta de boloñesa de Clemenza - The Godfather - el fancine - el troblogdita - ÁlvaroGP
El padrino - La receta de boloñesa de Clemenza - The Godfather - el fancine - el troblogdita - ÁlvaroGP

Siempre latente a lo largo de toda la película. Un detalle que hermana a la familia y que relativiza la trama hasta el punto de hacernos sentir a gusto por momentos viéndoles cocinar, degustar la comida y gozar transmitiendo recetas de unos a otros. Al más puro estilo siciliano, aunque esa transmisión no sea más que un modo de hacer pasar el tiempo entre un crimen y el siguiente. Eso si no mencionamos el mensaje del asesinato de Luca Brasi a modo de pescado envuelto en papel…

Destaco sobre todo la escena en la que Clemenza explica a Michael cómo ha de cocinar su carne en salsa para veinte personas (un tipo de boloñesa que he comentado en el gastrónomo que incluye albóndigas y salchichas con tomate y albahaca) en "estado de guerra, en la cárcel"... cuando sea menester.

Aunque claro... también nos recomiendan en una escena de la película combatir los resfriados con Whisky...

Y no he hablado de la mítica escena de la cabeza del caballo, ni de la relación entre Frank Sinatra y Johnny Fontane, ni de la receta de la boloñesa que aprende Michael, ni de “los negocios” de Tessio… Todo esto os lo dejaré para que los más afortunados lo redescubráis viendo la película si no os dejáis atrapar por la música omnipresente de Nino Rota...

Una joya de película. Una obra de arte. Para mi, tal cual anunciara al comenzar el artículo, la mejor película de la historia.

miércoles, 10 de septiembre de 2014

Capitán Phillips

Ficha técnica

Título original: Captain Phillips
Director: Paul Greengrass
Nacionalidad: USA
Año: 2013
Producción: Michael De Luca, Dana Brunetti, Scott Rudin
Productora: Michael De Luca Productions, Scott Rudin Productions, Trigger Street Productions
Distribuidora: Columbia Pictures
Duración: 133’
Guión: Billy Ray (Libro: A Captain’s duty – Stephan Talty y Richard Phillps)
Fotografía: Barry Ackroyd
Música: Henry Jackman
Montaje: Christopher Rouse
           
           
Ficha artística

Tom Hanks (Richart Phillpis, capitán MV Maersk Alabama)
Barkhad Abdi (Abduwali Muse, pirata somalí)
Catherine Keener (Andrea Phillips)
Faysal Ahmed (Najee, pirata somalí)
Michael Chernus (Shane Murphy, 1er oficial MV Maersk Alabama)
David Warshofsky (Mike Perry, ingeniero jefe MV Maersk Alabama)
Corey Johnson (Ken Quinn, timonel MV Maersk Alabama)
Yul Vazquez (Frank Castellano, Comandante USS Bainbridge)
Omar Berdouni (Nemo, intérprete)
Mohamed Ali (Asad, pirata somalí)
Mahat M Ali (Elmi, pirata somalí)
Isaak Farah Samatar (Hufan, pirata somalí (barco nodriza))

Capitán Phillips - el fancine - el troblogdita

El Capitán Phillips vivió, protagonizó, sobrevivió a los piratas somalíes y después publicó un libro explicando sus vivencias, junto con Stephan Talty, que servirá como punto de partida para Billy Ray a la hora de adaptarlo al cine para Paul Greengrass.

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La película recibió una buena acogida por el público en general pero sobre todo por los afectados por la piratería, pues bien refleja la indefensión de los profesionales de la mar que surcan las aguas internacionales que rodean Somalia: un hervidero de piratas sin escrúpulos que campan a sus anchas en aguas internacionales armados hasta las cejas con no más enemigo que mangueras de agua en los buques para evitar ser abordados.

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La política internacional no logra ponerse de acuerdo en cuanto a los medios para combatir esta piratería, dividiendo a la opinión pública que llega incluso a defender los derechos de estos pescadores reciclados en piratas. Estados Unidos, Reino Unido, Unión Europea, OTAN y otros actores de un drama que no tiene fin y cuyo único beneficiario es, como siempre, el delincuente.

Eso sí, en función de la bandera que secuestre, pues la raíz del problema radica en la política a adoptar cuando un barco se ve en el trance de ser atacado, desde las expeditivas estadounidenses (canadienses y británicas) “el único pirata bueno es el pirata muerto” a las contemplativas europeas “dejemos que la OTAN se haga cargo y echemos el muerto a los americanos” hasta la patética española “preparemos talonarios para pagar cuanto se nos pida, y tras pagarles; pasaportes para todos” prevaleciendo los Derechos Humanos de los delincuentes.

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Este es el panorama de tensión y caos organizativo se desarrolla la Operación Atalanta (hay que decir que muy bien organizados, pero atados de pies y manos por falta de consenso internacional).

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Y en este ambiente se desarrolla la película: un mar duro donde los haya, el Índico, en el que se impone la Ley del más fuerte, pero al revés, porque veremos en ella (y está basada en un hecho real) cómo cuatro piratas inmovilizan un buque, secuestran a su capitán, movilizan buques de guerra y hacen volar a los SEALs desde Estados Unidos con el correspondiente chorreo de dinero por no permitir el combate a los piratas (ahora sí hay “mercenarios” que hacen la labor de protección en algunos buques) y pretender combatirlos con mangueras de agua.

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Y en tierra firme las aseguradoras, patrones, familias, medios de comunicación, gobiernos y militares sufriendo en pasiva lo que los marineros padecen en activa: en sus carnes.

Tom Hanks hace una gran interpretación del Capitán Phillips, encarnando al resignado responsable de un buque, su tripulación y su cargamento resignado a la voluntad del primer pirata puesto de qat que se le antoje encañonarle con un AK-47.

Quiero destacar que esta no es una película de aventuras, no hay lucimiento personal de su protagonista. El Capitán Phillips no será un héroe. No. Ni se le exige serlo. Es, eso sí, un profesional como la copa de un pino que sabe cuál es su labor: salvar al buque, su tripulación y en la medida de lo posible: la mercancía. Le veremos atemorizado, atenazado, pasando de la lucidez a la falta de ideas, acumulando tensión y desplomándose ante una situación que se le escapa de las manos.

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Algunos miembros de la tripulación declararon a algunos medios de comunicación que los hechos no sucedieron al 100% como vemos en la película, pero el hecho cierto es que Phillips los protegió, fue secuestrado, intentaron llevarlo a tierra (antes de haber puesto pie en tierra habría volado por los aires), recibió unos cuantos golpes y finalmente, gracias a la determinación de los Estados Unidos y a la intervención de los Seal fue rescatado sano y salvo.

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Tres de los cuatro piratas fueron abatidos y el cuarto cumple condena en una cárcel de Indiana.


Otras películas “marítimas” comentadas en el facine

miércoles, 3 de septiembre de 2014

Cinema Paradiso

Ficha técnica

Título: Cinema Paradiso
Director: Giuseppe Tornatore
Título original: Cinema Paradiso
Año: 1988
Nacionalidad: Italia
Distribuidora: Arrow Films
Producción: Franco Cristaldi, Giovanna Romagnoli
Duración: 155’
Guión: Giuseppe Tornatore
Fotografía: Blasco Giurato
Música: Ennio Morricone, Andrea Morricone
                       

Ficha artística

Philippe Noiret (Alfredo)
Salvatore Cascio (Salvatore niño)
Marco Leonardi (Salvatore joven)
Jacques Perrin (Salvatore adulto)
Antonella Attili (Maria adulta)
Pupella Maggio (Maria anciana)
Enzo Cannavale (Spaccafico)
Isa Danieli (Ana)
Agnese Nano (Elena joven)
Brigitte Fossey (Elena adulta)


Premios

Oscar a la Mejor Película Extranjera, 5 BAFTA, 1 Globo de Oro, 2 Premios del Mejor Cine Europeo, Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes…

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El cine puede hacer que te enamores de una película, pero hay algunas películas que te enamorarán del Cine.

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Ese es el gran peligro de esta película. Seas cinéfilo o no, entiendas de cine o no, basta con tener un mínimo de sensibilidad en la sangre para comprender que películas como Cinema Paradiso hacen cierto aquello del “7º arte”.

Confesaros, de antemano, que muy pocas películas han hecho que se me escape alguna lagrimita… Y esta lo hace, cada vez que la veo. Hay películas que te ofrecen la cara oscura de la vida (Días de vino y rosas); películas que te revuelven por dentro por miedo (La carretera); películas que te reducen a la impotencia (Los gritos del silencio); películas que te refuerzan como persona (Cinderella Man); películas que te alegran la vida (Uno, dos, tres) y películas, muy pocas, que te hacen sentir todo lo anterior en una sola: la presente.

Cinema Paradiso es una obra de arte, y para mi gusto un “imprescindible” en cualquier colección cinéfila (“a must” que dirían los ingleses).

El guión no podría ser más sencillo: rara virtud de los que saben lo que hacen.

No puedo meterme de lleno en la película sin antes mencionar otra que también me gustó pero que entiendo está profundamente inspirada en esta: Un toque de canela (Tassos Boulmetis - 2003) en donde veo cierto paralelismo entre Totó y Alfredo con Fanis y Basilis.

Salvatore di Vita, un director de cine italiano en la Roma de los años 80 vuelve a casa (que no hogar) y al meterse en la cama, su novia (nunca ha sentado la cabeza y en breve os diré por qué) le anuncia la muerte de un tal Alfredo, de su pueblo natal.

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Salvatore se acostará y en medio de sus memorias y recuerdos nos adentraremos en un flashback que nos llevará a su más tierna infancia en la que vivía en Giancaldo (Sicilia), justo tras la Segunda Guerra Mundial, en la que su padre ha perdido la vida y vive con su madre.

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La madre, cuyo papel será secundario a lo largo de toda la película me inspira, sobre todo cuando envejece, una de las mayores ternuras que he sentido frente a una pantalla, pero ya llegaremos a ello. Maria, la madre, compaginará llevar dinero a casa (no perdamos de vista que es una madre soltera, no de hoy, si no de los años 40 del pasado siglo, en Sicilia… casi nada) con criar a un hijo bueno, muy bueno pero bastante “despierto” con una precoz inclinación por el cine.


Un cine que le dará motivos para vivir (de niño, de joven y profesionalmente como adulto: pero eso no lo sabía él por aquel entonces) y no pocos disgustos con su madre, porque éste, el cine, se convertirá en el epicentro de su existencia, hasta tal punto que sin pensarlo le otorgará “un padre adoptivo” en la figura de Alfredo (el mismo cuya muerte acaba de conocer).

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Cinema Paradiso es el cine del pueblo y Alfredo es el responsable de proyectar las películas. He dicho antes “padre adoptivo”, aunque nunca lo será, pero sí que ejercerá de tal. Alfredo es un buen hombre que invertirá su tiempo en “acompañar” a Totó (así llamaban en el pueblo a Salvatore en su tierna infancia). Digo acompañar, y no educar porque el pobre Alfredo es un analfabeto siciliano cuya única experiencia gira en torno al cine (y veremos un buen puñado de escenas, carteles y demás alusiones al cine) y terminará examinándose (como tantos otros de su tiempo) entre los niños de primaria para recibir sus primeras letras.

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A pesar de esto Alfredo ejercerá, primero a regañadientes, en respuesta a la insistencia de Totó, después de corazón, de padre del crío. Todo lo que puede hacer es darle tiempo, cariño, compañía en las largas horas que pasa su madre fuera de casa e instruirle con los medios a su alcance cuando Totó sale de la escuela, esto es: el cine.

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Como proyectista, Alfredo ha pasado años y años viendo películas y de cine sabrá un montón, tanto de guiones, directores, actores… como del proceso para proyectar las películas (no obstante este mismo empleo será el primero de Totó cuando madure).

Recapitulando: Sicilia, años 40, un niño huérfano de padre y una madre que pasa horas trabajando para sacarlo a delante. Y en medio de todo esto Alfredo y el Cinema Paradiso: tanto cine, tantas horas entre celuloide, postales, carteles de películas y una atmósfera humana en torno a éste arte harán que Totó, sin saberlo, se le vaya filtrando el cine por las venas.

Detalle curioso, pero crucial, será el de la censura.

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Una censura ejercida por el cura del pueblo, quien seleccionará las escenas “a eliminar” de cada una de las películas: besos, abrazos, insinuaciones… escotes y demás serán eliminadas de las películas, con el consiguiente revuelo del público cada vez que los protagonistas de una peli van a juntar sus labios y ésta salta de escena.

No olvidemos esta “censura” porque será la que nos brinde uno de los mejores finales de película de la Historia del cine, pero cada cosa en su momento, ahora me detendré un momento para dar a entender, sobre todo a los lectores más jóvenes, el por qué del revuelo que he mencionado antes, en la sala, y otras muchas cosas que hoy en día no conocemos (o no reconocemos).

Ir al cine hoy en día es como una intervención quirúrgica (si lo comparamos con décadas atrás) salvo por la cochinada de las palomitas que atufan la sala y no te dejan oír. Antaño, y yo viví los últimos coletazos de esa época, el cine era una extensión de la vida en comunidad.

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Mi propio abuelo, criado en un pueblecito como el de la película, antes de nuestra Guerra Civil, cuando el cine era mudo, se sentaba en la primera fila para leer con un megáfono los textos del cine mudo para los que no sabían leer, porque él sí sabía. Así era el cine.

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En la película veremos cómo los caciques tienen las mejores butacas, cómo hay gente que se lleva una silla de casa, cómo la gente come, bebe y fuma (incluso los niños, quienes por cierto, lo hacían muchas veces para imitar a sus héroes y sentirse mayores: eran otros tiempos) viendo las películas. Cómo se gastan bromas, cómo se hacen travesuras y cómo ente escena y escena, los novios se arrinconaban y las profesionales aliviaban las tensiones de los menos castos sin escrúpulos (ambos). Y todo en comunidad. Si había goteras se abrían paraguas en la sala, si se atascaba la película se abucheaba al proyectista y los partidarios de uno u otro personaje de las películas que estaban viendo se increpaban mutuamente. Así era el cine antes. Ahora, como en casi todo, hemos perdido el calor humano.

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El detalle que más me gusta en la película, en cuanto al valor humano viendo las películas, es el cine de verano, cosa que sí he vivido en el “Cine Doñana” de Matalascañas (Huelva) hasta que viera mi última película en ese cine: En elnombre del padre (la primera que vi allí fue, ni más ni menos que En busca del arca perdida). Pipas, bocadillos, fumando al aire libre… qué tiempos aquellos y qué bien los refleja Tornatore en la película.

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Así he presentado a los tres pilares de esta película: Totó, Alfredo y el Cinema Paradiso, que por cierto: arderá. Y al arder, siendo Totó un niño todavía salvará la vida de Alfredo, quien perderá la vista por la combustión de la nitrocelulosa (me acordé de esta película viendo Malditos bastardos). Esto hará que el propio Totó, supervisado por Alfredo pase a ser el nuevo proyectista, pues tras tantas horas  días y semanas, meses y años al lado de Alfredo harán de él el único capaz de desempeñar tal labor cuando se reabra el cine con el nombre de Nuovo Cinema Paradiso.

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Pero llega un día en que Totó dejará de ser Totó para convertirse en Salvatore. Un mozo de buen ver que sigue trabajando en el cine y sigue respetando y confiando en Alfredo como si fuera su propio padre. Ha crecido y hace sus pinitos con una cámara de video de la que no se separa en ningún instante.

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Una vida sencilla y llena de placer y tranquilidad. Hasta que llega Elena y lo pone todo patas arriba.

Elena es un amor a primera vista.

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Elena hará que Salvatore madure a golpes y se enamorará de ella hasta las trancas. Un amor correspondido pero imposible porque el padre de la muchacha no lo permitirá, por posición, clase y porque aspira a algo mejor para su hija.

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Será pues, en este drama amoroso, cuando Alfredo tome la mayor decisión de su vida: instar a Salvatore a irse del pueblo, emigrar, buscarse un futuro mejor que le evite ser un analfabeto de por vida y perderse todo lo que hay fuera de las cuatro casas del pueblo. Salvatore partirá y antes prometerá a Alfredo no mirar atrás. Es una de las escenas más desgarradoras (para mí la más impactante es el diálogo de Salvatore con su madre, años después) en la que le vemos partir en el tren a sabiendas de que no llamará, no escribirá y no regresará jamás para evitar ser absorbido por su amor a Elena y por la nostalgia del pasado.

Aquí volvemos al punto en el que comenzó la película, con Salvatore ya madurito, volviendo al pueblo para asistir al entierro del que ejerció de padre suyo: Alfredo.

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Es aquí donde se sienta con su madre y se disculpa por no haber aparecido ni dado noticias de su existencia en los últimos treinta años. Cosa que la madre, lejos de restregárselo por mal hijo, le disculpa y justifica sin dejar escapar una lágrima: Amor de madre. Sin embargo su habitación seguirá igual que cuando se marchó. Entre los objetos encontrará la primera película que le hizo a Elena y comprenderemos que el motivo de no sentar la cabeza que anunciaba al principio es que sigue profundamente enamorado de ella.

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Desde este momento nos sumergiremos en nostalgia. Nostalgia de amor, de vida, de infancia, de inocencia, de cariño hacia el amigo, casi padre perdido y de una vida que no sabe si la ha vivido porque la quería así o porque huía de su pasado.

El mejor momento de la película será de vuelta a casa cuando vea en Roma una cinta que le había dejado Alfredo como regalo póstumo. Salvatore, y todos nosotros con él, experimentaremos una fabulosa oleada de emociones, recuerdos y sentimientos a través de esta película compuesta por todos aquellos besos que Alfredo había tenido que cortar por motivo de la censura del cura del pueblo.


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Un final in crescendo, que rompe con la amargura del amor truncado y nos deja un gran sabor de boca, acompañado, eso sí, por una música que atesora una de las mejores bandas sonoras del cine, a manos de Ennio Morricone y una fotografía ejemplar en su sencillez de Blasco Giurato.